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Michelle Lopez

Michelle Lopez es una escultora e instaladora interdisciplinaria, conocida por su rigurosa práctica conceptual y su enfoque audazmente experimental del proceso y el material. Su investigación de materiales industriales expone los límites de nuestras propias construcciones culturales. Los primeros trabajos, como su coche cubierto de cuero, Boy, retocan nuestra relación con los productos de consumo combinando formas de capitalismo con cuero de color de piel. López también examina las formas minimalistas de la historia del arte, construyendo estructuras de repuesto abyectas a partir de escombros. Su trabajo de aluminio y acero inoxidable arrugado, Blue Angels, ejemplifica un fracaso tecnológico posterior al 11/9, al tiempo que considera el elemento performativo del cuerpo de la artista a través de la escultura. Su instalación sonora y cinética, Halyard, es una iteración más de examinar estructuras invisibles de poder.
López ha montado ambiciosas exposiciones internacionales que examinan experiencialmente las estructuras colapsadas a nivel micro (individual y figurativo) y macro (político y social). Observa el fenómeno de la violencia a través de estructuras de silencio y desaparición. Su serie de nitrato de plata se vierte en vidrio arquitectónico a gran escala, tratado con rayos UV, Nubes de humo capturan el humo después de la destrucción como una forma escultórica elegíaca y como un espejo para reflejar la imagen del espectador. Su instalación más reciente de un abyecto sistema de andamios que se derrumba tiene cuerdas de acero y escombros de la calle levantándolo todo en una extraña lógica contradictoria.
López obtuvo su maestría en Bellas Artes de la Escuela de Artes Visuales de Nueva York y su licenciatura en Barnard College, Universidad de Columbia, Nueva York. Exposiciones individuales recientes incluyen: ‘House of Cards’, Simon Preston, Galería, 2018; ‘Halyard’, Alt, Estambul, 2016; ‘Angels, Flags, Bangs’, Museo de Arte Contemporáneo de Aldrich, Connecticut, 2014; Galerie Christophe Gaillard, París, 2012; Simon Preston, Nueva York, 2015, 2011 & 2009; ‘El Año en que Nos pusimos en Contacto,’ LA>
Otras exposiciones colectivas recientes incluyen ‘You Just Fit, You and I,’ Harvard Carpenter Center for the Arts;’ Re-Enactments, ‘ Museum of Contemporary Art & Design (MCAD), Manila, Filipinas; Cuando Se Corta el Presente, El Futuro Se Filtra, Ya No Está Vacío, El Viejo Palacio de Justicia Del Bronx, Nueva York, NY. ‘Temporary / Contemporary,’ Bass Museum of Art, Miami, FL, ‘A Chromatic Loss,’ Bortolami Gallery, Nueva York, 2014; Yerba Buena Center for the Arts, San Francisco, 2005, y Artist Space, Nueva York, 2008.
Anteriormente miembro de la facultad de Escultura de la Escuela de Arte de Yale, ahora es profesora en el Programa de Bellas Artes de la Escuela de Diseño de la Universidad de Pensilvania y dirige la División de Escultura.
Declaración del artista:
Como artista, me dedico a la historia de la escultura y a lo que significa hacer objetos y figuras ahora en tiempos inciertos. Mis Ángeles Azules (esculturas de aluminio y acero inoxidable con recubrimiento de polvo aplastado y plegado) vinieron en respuesta a presenciar en Broadway el desmoronamiento de las torres del World Trade Center el 9/11 en Nueva York. Fue el primer momento en que me di cuenta de que mi trabajo necesitaba reflejar esta inestabilidad cultural y violencia. Imaginé que los «Ángeles Azules» eran un híbrido de alas de avión, pétalos marchitos y plumas de pájaro rotas.
Como artista femenina, también estoy interesada en tomar no solo material y forma minimalista masculina sino monolítica, y hacerla vulnerable. Lo mismo ocurre con mis «Banderas», ya que traté de exponer el nacionalismo, el patriotismo y el poder dentro de una cultura que ondea banderas y convertirlo en una bandera SOS. Las láminas de plomo industriales envueltas alrededor de estas estructuras se vuelven frágiles y orgánicas.
Dentro de estos iconos, busco contradicciones perversas y lagunas dentro de nuestros iconos culturales compartidos, ya que significan «ismos»: consumismo, nacionalismo, patriotismo, terrorismo, minimalismo, machismo. Manipulo esta cultura de familiaridad para exponer oxímorones de la sociedad y del yo, a través de actos de violencia física e inversiones alegóricas, con el fin de deshacer y criticar la iconografía elegida. Me muevo en sentido inverso y encuentro la fragilidad humana inherente a estas formas y luego golpeo la pieza para marchitarse a través de la elección de los materiales y la manipulación de la forma.
Estos emblemas de la cultura se traducen en cómo nos presentamos corporalmente: apropiados, híbridos, colgados o vulnerables, incluso trágicamente monumentales. Mis cuerdas suspendidas moldeadas en cristal son arañas ágiles y figuras lisas, solitarias e invisibles. Un ‘Trono’ dorado (hecho específicamente después de las recientes elecciones presidenciales de Estados Unidos de 2016) se alza anémicamente al estilo Giacometti. Los momentos dorados revelan un intento de dos caras de dorar el momento y hacerlo más grandioso que su realidad industrial y sombría.
Mi trabajo más reciente ha sido un tenue equilibrio de un abyecto sistema de andamios (Instalación de «Castillo de Naipes»), delicadamente dibujado con material rígido poco probable: cuerda de acero y enredaderas de plomo con zarcillos, todo lo cual me fabrico en el espíritu del dibujo. Estas estructuras de Arte Povera se apoyan unas sobre otras al borde del colapso. Sin embargo, hay contradicciones en la estructura: la cuerda es lo que se eleva por encima y sostiene el andamio, los escombros de acero suspenden parte de la obra como una forma de resistencia e incluso de esperanza imposible, coreografiada con un medio para equilibrar. Tiro de vidrio caliente para continuar la línea de dibujo y lo cubro con nitrato de plata espejado para que los puntos y el espacio entre cada material, incluido el aire entre ellos, vibre. El vidrio se convierte en otra figura solitaria y suspendida.
En última instancia, he estado explorando nuestra experiencia post 9/11 y sus residuos abyectos en el objeto. Estoy tratando de redimir el lenguaje escultórico examinando sus deficiencias y luego destilando hacia la regeneración. Quiero una vitalidad de la forma, para que la escultura pueda reclamar un nuevo discurso que no sea ninguno de estos is ismos, todo y no, y luego comience de nuevo.