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Fresco de Génesis, Capilla Sixtina (1508-12)

El Sacrificio de Noé

Noé está detrás de un altar haciendo ofrendas quemadas en agradecimiento a Dios. Carneros de sacrificio y un buey están siendo preparados. Pero esta no es la acción de gracias de Noé por su salvación del Diluvio, sino más bien una indicación del deber habitual de Noé hacia el Señor.

El Diluvio

El Diluvio fue la primera de las escenas del Génesis que Miguel Ángel ejecutó. En la imagen, el Arca es, por supuesto, una alegoría de la Iglesia en la que los justos serán salvos. Miguel Ángel trabajó lenta y laboriosamente en esta escena: hay veintinueve giornate (parches de yeso), algunos aparentemente ejecutados por sus asistentes. En medio del cielo, hay un gran parche que ha sido reemplazado, y la pérdida continúa en el Ignudo de arriba. Esta es una de las pocas pérdidas que ha sufrido el techo. El excelente estado de los frescos de hoy en día es un homenaje a la técnica de Miguel Ángel, por lo que es interesante que esta pintura mural, la primera en la que trabajó, fuera la más débil. El artista y biógrafo manierista del siglo XVI Giorgio Vasari (1511-74) informó que poco después de que el artista comenzara a pintar, descubrió que el moho crecía en el yeso, lo que indicaba que no se estaba secando correctamente. Luego se le aconsejó que para el clima romano necesitaba agregar más arena a su yeso, lo que hizo, después de lo cual no tuvo más problemas.

La embriaguez de Noé

A primera vista y a nivel literal, lo que se representa es el descubrimiento del efecto del exceso de consumo en el vino. Noé plantó un viñedo, luego probó su cosecha, se emborrachó y se durmió, para vergüenza de su hijo Cam y sus dos hermanos. La historia nos pone cara a cara con la naturaleza pecaminosa del Hombre y la necesidad de redención. El verdadero significado, sin embargo, radica en el significado analógico del vino y la Eucaristía.

LOS IGNUDI (y Medallones)

Los desnudos masculinos colocados en cada esquina de las pequeñas escenas de Génesis son más claros en función que en significado. Sostienen medallones de bronce sobre cintas de seda o guirnaldas de hojas de roble cargadas de bellotas, claras referencias a los emblemas de la familia della Rovere. (Nota: Francesco della Rovere se convirtió en Papa Sixto IV en 1471; el cardenal Giuliano della Rovere fue elegido Papa Julio II en 1503, y encargó los frescos del techo de la Capilla Sixtina). En términos formales, los Ignudi desempeñan un papel crucial en la animación del diseño de la bóveda y en el fomento del progreso de los espectadores de bahía en bahía. Llévatelos y el diseño se vuelve estático y demasiado definido por los compartimentos arquitectónicos que enmarcan cada parte. En cuanto a su significado, es razonable suponer que los Ignudi representan ángeles: los siempre presentes asistentes y mensajeros de Dios.

Las historias bíblicas que aparecen en los Medallones incluyen:

• El Sacrificio de Isaac
• La Ascensión de Elías al Cielo,
• de La Muerte del Rey hijo de David, Absalón
• la Destrucción de la Estatua de Baal por Iehu
• El Castigo de Heliodoro
• La Matanza de por Abner a Joab:
• La Caída de Joram de su Carro
• La Muerte de Nicanor

LOS VIDENTES: PROFETAS Y SIBILAS

En la posición en la que los doce Apóstoles debían ser entronizado en el proyecto original, miguel ángel dispuestos doce figuras que profetizó o representa algún aspecto de la Venida de Cristo: siete profetas varones del Antiguo Testamento (cuatro llamados Profetas Mayores, Isaías, Jeremías, Ezequiel y Daniel; tres Profetas Menores, Joel, Zacarías y Jonás), y cinco Sibilas femeninas del mundo clásico (Eritrea, Délfica, Cumea, Libia y Persa). Cómo fueron elegidos los Videntes en particular sigue sin estar claro, aunque algunas opciones como Jonás e Isaías eran obvias. Estas poderosas figuras son las más grandes del techo. Ya existía una tradición en el arte renacentista a favor de incluir a las Sibilas con los Profetas. Los textos de oráculos sibilinos, probablemente compuestos a principios de la Edad Media, eran ampliamente conocidos. También había un folleto de las Sibilas y sus profecías de Filippo Barbieri, dedicado al Papa Sixto IV, publicado en 1481, que se utilizó como fuente de ilustraciones pictóricas en los ciclos renacentistas. Los más notables y cercanos fueron los frescos en el Apartamento Borgia, pintados por Pinturicchio a principios de la década de 1490. Lo que hizo a las Sibilas tan populares fue que se entendió que sus expresiones predijeron la venida de un Mesías y, por lo tanto, reforzaron la convicción humanista renacentista de que la verdad cristiana se reveló en cierta medida a los gentiles. Con la generosidad característica de la época, las Sibilas se incluyeron como parte de la conciliación de las culturas pagana y cristiana.

ANTEPASADOS DE CRISTO

Los Lunetos en las paredes laterales por encima de las ventanas, y las divisiones por encima de ellas, están llenos de los Antepasados de Cristo, nombrados en el primer capítulo de Mateo. Por lo tanto, sus figuras vinculan el Antiguo Testamento y el Nuevo Testamento, Abraham y Jesucristo. Se identifican por los nombres en las placas en el centro de cada luneta. Las interpretaciones de los Antepasados difieren. Hay acuerdo en que son sombríos y parecen estar ociosos o pasar el tiempo. El programa iconográfico del ciclo sugiere que están esperando al Mesías.

PECHINAS DE ESQUINA: HISTORIAS BÍBLICAS

En las cuatro esquinas de la capilla hay una pechina de forma triangular que ocupa el espacio entre las paredes y el arco de la bóveda. Aquí, Miguel Ángel ha pintado cuatro escenas que ilustran historias bíblicas asociadas con la salvación de Israel, y presenta a los cuatro grandes héroes masculinos y femeninos de la historia judía: Moisés, Ester, David y Judith. (Véase también Arte judío).

The La Ejecución de Amán
David David y Goliat
Judith Judith y Holofernes

Mezcla de Religión y Humanismo

Como representante principal del Renacimiento Italiano del cinquecento, Miguel Ángel tuvo una difícil tarea en reconciliar las ideas del Humanismo renacentista con la teología del Cristianismo del siglo XVI. Esto se debió a que la Iglesia enfatizaba al Hombre como esencialmente pecaminoso y defectuoso, mientras que el humanismo se enfocaba en la belleza y nobleza del Hombre. Desafortunadamente, estos dos puntos de vista son intrínsecamente irreconciliables, tanto visualmente (testigo de la controversia sobre los desnudos masculinos y femeninos de Miguel Ángel) como filosóficamente. De hecho, solo pueden coexistir si los humanistas aceptan que el Hombre necesita a la Iglesia como agente de Dios.

Respuesta al Fresco de Génesis

Las decoraciones al fresco de Miguel Ángel en el techo de la Capilla Sixtina tuvieron un profundo efecto en otros pintores, incluso antes de que se completaran. Vasari, en su Vida de Rafael, revela que el arquitecto del Alto Renacimiento Donato Bramante, que guardaba las llaves de la capilla, permitió a Rafael ver las pinturas cuando Miguel Ángel no estaba. Cuando vio a los profetas de Miguel Ángel, Rafael volvió a su pintura del Profeta Isaías en la que estaba trabajando en la Iglesia de Sant’Agostino y la borró antes de volver a pintarla en un estilo mucho más Michelangeo.

Casi todos los elementos del diseño de Miguel Ángel fueron imitados más tarde: incluyendo la arquitectura ilusionista, la musculosa anatomía humana, el escorzo, el sentido dinámico del movimiento, el esquema de colores brillantes y radiantes y la expresividad del dibujo de la figura, así como el posicionamiento ubicuo del Ignudi putti. Entre los artistas cuya obra estuvo especialmente influenciada por la de Miguel Ángel se encontraban Pontormo, Tintoretto, Annibale Carracci, Paolo Veronese, El Greco y Correggio, conocidos por su extraordinaria pintura al fresco de la Asunción de la Virgen (Catedral de Parma) (1526-30). Dos décadas más tarde, Miguel Ángel llevó sus métodos pictóricos y de diseño a nuevos niveles en su fresco del Juicio Final en la pared del altar de la capilla.

Cuando se inauguró en octubre de 1512, el fresco Génesis de la Capilla Sixtina fue aclamado instantáneamente como una de las grandes obras de la historia del arte. A partir de ese momento, Miguel Ángel fue universalmente percibido como el artista vivo más grande – Il Divino – a pesar de su edad relativamente joven (37): incluso mayor que Leonardo y Rafael.